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1. INTRODUCCIÓN AL RENACIMIENTO
a) Concepto
Contenido: recuperación del legado de la Antigüedad clásica grecorromana que se convierte en fuente de inspiración de todas las manifestaciones del conocimiento humano
Cronología : en el campo artístico se desarrolla entre los siglos XV y XVI
Durante el siglo XV : es un fenómeno casi exclusivo de las ciudades italianas (Florencia); el resto de Europa se mantiene dentro de los presupuestos góticos
Durante el siglo XVI : es su fase de madurez (Roma) y se extiende por Europa
b) Nacimiento en Italia
- Fuerte tradición clásica : monumentos de la Roma antigua
- Escaso desarrollo del gótico : horizontalidad, techos planos y arco de medio punto
- Desarrollo económico y social : la industria y el comercio generaron una poderosa y rica burguesía mercantil cuya visión del mundo desplazó los valores tradicionales de la Edad Media
- Caída de Constantinopla (1453) : la llegada de los sabios bizantinos a las ciudades italianas enriqueció la recuperación del legado clásico (cultura griega)
c) Expansión por Europa
- Las universidades y la imprenta : permiten la difusión de las nuevas ideas por Europa
- Surge el Estado Moderno : los reyes se apoyan en la burguesía urbana y concentran el poder (Monarquía Autoritaria)
d) Nueva mentalidad
- Humanismo : el hombre se erige en el centro del mundo ( antropocentrismo ) convirtiéndose en la medida de todas las cosas, lo que no implica un rechazo de la religión, sino una revalorización de la razón humana frente al teocentrismo medieval
- Nueva concepción de la naturaleza : frente al Gótico (que la valora como obra de Dios), interesa por sí misma, desde un punto de vista racional y práctico (conocer para dominar)
- Nuevo concepto de belleza : ya no es el reflejo de la divinidad sino la expresión de un orden racional y humano que encuentra su propio lenguaje en la proporción , la armonía y el orden de todas las partes en el conjunto de la obra
e) Nueva cultura
- Secularización de la cultura : la cultura había sido monopolio del clero, con el Renacimiento la Iglesia perdió autoridad ideológica en favor de los filósofos y pensadores antiguos
- Afán por conciliar el pensamiento antiguo con el cristianismo : los mitos paganos y la filosofía antigua no se oponen al espíritu cristiano, sino que lo pueden complementar
f) Nueva consideración social del artista
- Ascenso individual del artista en la sociedad : los artistas lucharon por diferenciarse de los artesanos (trabajadores manuales) y reivindicaron la naturaleza intelectual de su oficio
- Nueva clientela: a la tradicional clientela de la nobleza y el clero se incorporó también la rica burguesía de las ciudades, cuya visión del mundo contribuyó a la renovación artística
- Mecenazgo : príncipes, Papas, nobles y burgueses protegen a los artistas por varias razones que van desde el interés por el arte hasta la utilización del mismo como arma política y de prestigio, pasando por el afán de riqueza y el coleccionismo
g) Periodización
- QUATTROCENTO (Siglo XV) : período de indagación y experimentación del nuevo lenguaje artístico que tuvo en la Florencia de los Médicis su foco más importante
- CINQUECENTO (Siglo XVI) : Roma y, más tarde, Venecia sustituyen a Florencia como centro artístico al tiempo que el Renacimiento extendió su influencia por Europa. Se distingue 2 fases: - Clasicismo o Alto Renacimiento (1500-1530) - Manierismo (1530-1600) 2. LA ARQUITECTURA
2.1. Características generales
- Concepción del edificio en dos partes : la estructura o los elementos constructivos y el revestimiento o los elementos decorativos
‒ Elementos constructivos: plantas centralizadas, de cruz latina y basilicales; muros y columnas y arcos de medio punto, bóvedas de cañón, de arista, vaídas, cúpulas y cubiertas planas
‒ Elementos decorativos : se recupera los órdenes arquitectónicos aunque sin las proporciones clásicas (se utiliza según las exigencias del edificio)
EL QUATTROCENTO
1. La arquitectura del Quattrocento: Brunelleschi y Alberti
Los dos máximos representantes de este período son Filippo Brunelleschi, su auténtico iniciador, y Leon Battista Alberti, que desarrolló además una importante labor teórica.
1.1. FILLIPO BRUNELLESCHI (1377-1446)
Artista innovador que rompe con el Gótico: su estilo es más sencillo, lleno de elegancia y pureza geométrica, basado en formas elementales como el rectángulo y la esfera. Busca la inspiración en la Antigüedad clásica.
Primer gran arquitecto considerado el prototipo de hombre renacentista: la cúpula de la catedral de Florencia y el palacio Pitti se convertirán en modelos a seguir.
a) Cúpula de Sta. María de las Flores (1420-1446) ‒ Durante el siglo XIV (dentro de la dinámica de las ciudades italianas de hacer grandes catedrales en competencia con la de las ciudades rivales) se construyó la catedral de Florencia, pero por sus enormes dimensiones, la cabecera no se sabía cubrir ‒ Planta octogonal y perfil apuntado sobre un tambor: el espacio de plementos entre los nervios de mármol está cubierto por tejas de barro ‒ En el punto de convergencia de los nervios se alza una linterna con contrafuertes rematados por volutas y cubierta con una estructura cónica: la terminó en 1471 su discípulo Michelozzo
e) Palacio Pitti (1458)
Establece el modelo de palacio renacentista: disposición del edificio como un volumen cerrado, como un gran cubo, construido en torno a un patio central cuadrado al que se abren las habitaciones:
‒ Uso de sillares almohadillados: recuerda el aspecto de fortaleza para mostrar el poder político y económico de la familia que lo habita
‒ Articulación horizontal de la fachada: se divide en tres plantas separadas por cornisas con balaustradas
‒ Influencia en los palacios renacentistas florentinos: Palacio Medici-Riccardi (1460); Palacio Strozzi (1489- 1538)
1.2. LEON BATTISTA ALBERTI (1404-1472)
Es el teórico por excelencia de la nueva arquitectura: propone una estética basada en los modelos clásicos y en las relaciones matemáticas que deben regir las partes del edificio. Sus obras manifiestan la preferencia por dos elementos arquitectónicos:
‒ la cúpula , que simboliza la perfección divina ‒ el pilar como elemento sustentante de los arcos (la columna tiene una función decorativa)
a) Iglesia de S. Francisco. Rímini. (1450-1468)
‒ Se trata de un edificio gótico envuelto por una estructura clásica ‒ Obra inacaba que debía servir de panteón para Segismundo Malatesta y su corte de humanistas ‒ Presenta una tipología de elementos clásicos: el arco de triunfo para la fachada, unas arcadas laterales, columnas adosadas y frontón ‒ Conjunción armónica entre iglesia y templo pagano: el triunfo sobre la muerte
b) Sta. María Novella. Florencia (1456)
‒ Es una fachada a modo de telón de una iglesia gótica ‒ Las incrustaciones de placas de mármol de diferente color se inspiran en la iglesia románica de S. Miniato al Monte ‒ Incorpora elementos del arte clásico: frontón, columnas. Utiliza el cuadrado como módulo para las proporciones ‒ La relación armónica entre el cuerpo inferior y el superior la resolvió con dos aletones , motivo de gran repercusión en las iglesias del XVI
c) Iglesia de S. Andrés. Mantua (1470)
‒ La fachada está concebida como un gran arco de triunfo con un solo arco central:
- superpone y funde otro sistema clásico, el del frente del templo con sus soportes, entablamento y frontón
- aplica un riguroso sistema de proporciones, de manera que su altura es igual a la anchura y todo el conjunto se puede inscribir en un cuadrado ‒ La planta es de cruz latina con una amplia nave única cubierta con bóveda de cañón con casetones, capillas laterales entre los contrafuertes ( capillas hornacina ) y una gran cúpula sobre el crucero
- el sistema de proporciones consigue la armonía de todo el organismo arquitectónico
- este esquema constituye un claro antecedente de las iglesias de los jesuitas, quienes lo recogen y extienden a partir del XVI
d) Palacio Rucellai. Florencia (1446-1451)
Comparte la forma cúbica y el patio central con el modelo de Brunelleschi, pero aligera su estructura:
‒ utiliza el almohadillado , pero mucho más regular y plano, lo que da al edificio un aspecto más refinado, acentuando su carácter civil y urbano ‒ articula sus tres cuerpos proporcionadamente en función de los órdenes clásicos ‒ logra un perfecto equilibrio entre la división horizontal y la vertical a base de pilastras ‒ influencia en los palacios renacentistas florentinos
2. LA ESCULTURA
2.1. Características generales
- No representa una ruptura tajante con la tradición artística bajomedieval : influencia de los modelos clásicos durante los siglos XIII y XIV (N. Pisano, G. Pisano, A. Pisano)
- Se valora la perfección de las formas: frente a la prioritaria función didáctica y religiosa del Románico y el Gótico
- El motivo principal es la figura humana: debía ajustarse a un correcto sistema de proporciones como en la Antigüedad
- Se recupera el desnudo, el retrato y la estatua ecuestre: tipología frecuente en el arte clásico
- En el relieve se aplicó la perspectiva: las figuras y el espacio se representan como aparecen en la realidad
- Los materiales preferidos fueron el mármol y el bronce : en Florencia se generaliza el barro cocido (terracota) que suele pintarse con cerámica vidriada
2.2. LORENZO GHIBERTI (1378-1455)
Primer escultor renacentista: en sus obras perviven algunas características góticas pero al mismo tiempo propone la óptica y la teoría de las proporciones como base científica del arte
b) Segunda puerta del baptisterio de la catedral de Florencia (1404-1424) ‒ Vinculación con el gótico: 28 medallones lobulados con escenas el Nuevo Testamento ‒ Nueva estética renacentista : perfección anatómica y perspectivas arquitectónicas
c) Tercera puerta del baptisterio de la catedral de Florencia (1425-1452) ‒ Llamada “Puerta del Paraíso”: está organizada en 10 recuadros rectangulares con escenas del Antiguo Testamento de compleja composición y con más personajes ‒ Recupera el relieve pictórico-histórico romano : se desarrollan dos o más episodios relacionados pero pertenecientes a momentos distintos ‒ Inspiración en modelos clásicos : las figuras son proporcionadas, idealizadas y de posturas y expresión variadas. ‒ Perspectiva : diferentes niveles de relieve, fondos arquitectónicos y paisajísticos y reducción de la proporción de las figuras en función de su proximidad o lejanía
2.3. DONATO DI NICOLO “DONATELLO” (1486-1466)
Discípulo de Ghiberti, es el creador del estilo renacentista pleno en escultura: en sus obras destaca la preocupación por la figura humana, a la que representó en todas sus edades; combina la serenidad y el equilibrio clásico con la expresividad; y en los relieves se inspira en la Antigüedad y emplea el “ schiacciato ” (relieve muy superficial, “aplastado”, que logra transmitir una sensación de profundidad completamente verosímil)
a) San Jorge (1415) ‒ Naturalismo y volumen : a pesar del frontalismo y la posición estática de la figura ‒ Equilibrio y armonía : proporcionadas por la verticalidad y la composición de la cruz del escudo
3.2.2. MASACCIO (1401-1428)
Se considera el fundador de la pintura moderna : primer artista que da forma con el color, preocupándose del volumen y los efectos tridimensionales. Entre sus obras destaca las pinturas al fresco de la Trinidad en la iglesia de Sta. María Novella y el ciclo de frescos de la capilla Brancacci en la iglesia de Sta. María del Carmen, ambas en Florencia.
a) La Trinidad (1427) ‒ Perspectiva como método científico de representación : los personajes se representan según su posición en el espacio visto desde un punto central situado al nivel para el observador ‒ Composición triangular : arquitectura y perspectiva son los elementos que ordenan la distribución de los personajes (armonía y equilibrio) ‒ Figuras organizadas simétricamente : un eje central divide la escena ‒ Relación entre forma y contenido : mensaje ordenado de abajo a arriba que va desde la muerte a la oración, la intercesión, la expiación y la salvación
b) Frescos de la Capilla Brancacci (1426-27)
‒ Desarrolla temas de la vida de S. Pedro en los que participaron también otros pintores como
Masolino y Filippino Lippi: los frescos se distribuyen en dos niveles horizontales y se ordenan como si fueran cuadros enmarcados por pilares clásicos de orden corintio. ‒ Destaca la escena “ El tributo de la moneda ”
- Representación del espacio : sigue las reglas de la perspectiva lineal
- Importancia de la luz : crea volumen y corporeidad (sombras)
- Naturalismo y clasicismo : todas las figuras mantienen una posición de contrapposto y se relacionan entre sí con gestos y miradas
- Composición regular : Cristo es el eje de la composición
- Narración continua : ilustra en la misma escena tres episodios distintos (influencia de Ghiberti)
3.2.3. PIERO DELLA FRANCESCA (1416-1492)
Supone la culminación de la investigación científica pictórica : aborda la construcción perspectívica del espacio y de las figuras proporcionalmente dispuestas en él.
a) El Bautismo de Cristo (1448)
‒ Concepción neoplatónica de la belleza : la perfección de las formas puras son un reflejo de la belleza verdadera, espiritual e ideal
b) La flagelación de Cristo (1470)
‒ Perspectiva lineal y proporciones matemáticas : profundidad y volumen de las figuras, colores brillantes (uso de la luz para crear espacio) y gusto por el detalle y el retrato (influencia flamenca)
c) Frescos de la Iglesia de S. Francisco de Arezzo (1470)
‒ Narra la Leyenda de la Vera Cruz : es su obra maestra ‒ Claridad compositiva y uso de la luz para la construcción del espacio
d) Madonna del duque de Urbino (1472)
‒ Perfección formal : ausencia de expresividad en los rostros ‒ Efectos de luz y sombra : contribuyen a crear espacio y a aislar las figuras unas de otras
e) En los retratos las figuras se presentan de perfil con fuertes contornos que destacan sobre el paisaje como en el díptico de los duques de Urbino (1466)
3.2.4. SANDRO BOTTICELLI (1444-1510)
Tiene menos preocupación por el nuevo modelo de representación : le interesa menos la perspectiva y las proporciones de las figuras humanas. En sus obras predomina el dibujo : importancia de la línea, las formas sinuosas y el primer plano. Sus figuras son estilizadas y curvilíneas : gusto por lo decorativo y belleza ideal.
Renovación temática : temas religiosos y temas profanos o mitológicos
o Temas religiosos : en escenarios contemporáneos con detalles anecdóticos y cotidianos (influencia pintura flamenca) como la Anunciación (1490)
o Temas mitológicos : recuperan la Antigüedad y encierran una segunda lectura filosófica (neoplatonismo: conciliación entre cristianismo y filosofía)
La primavera (1482)
- Composición compleja formada por un friso de personajes organizados en 3 grupos: Venus y cupido en el centro, el grupo de Flora a la derecha y Mercurio y las Tres Gracias a la izquierda
- Simbolismo : la belleza de la mujer y de la naturaleza es un reflejo de la luz divina (neoplatonismo)
- Interpretación polémica : estación del año en la que la naturaleza manifiesta toda su belleza, que es una concreción en el mundo físico de la belleza divina, y el amor el motor que mueve el universo
El nacimiento de Venus (1485)
- Composición sencilla : triángulo formado por las dos diagonales creadas por los personajes que acompañan a la diosa
- Interpretación: la verdadera belleza (Venus desnuda) nace sólo de Dios (espuma de Urano) y se manifiesta al contacto con la materia (el mar)
EL CINQUECENTO
1. ARQUITECTURA
La arquitectura clasicista (1500-1530) se hizo más sobria en la decoración y prefiere la planta centralizada con cúpula El manierismo (1530-1600) se reflejó en una crisis del lenguaje clasicista: armonía, orden y proporción dieron paso a la libre yuxtaposición de elementos arquitectónicos
1.1. DONATO BRAMANTE (1444-1515)
Introdujo la arquitectura renacentista en Milán (ciudad con una importante tradición gótica). Es el mejor representante del clasicismo arquitectónico : sus obras más importantes están en Roma.
a) S. Pietro in Montorio. Roma (1503)
‒ Destaca el valor de la estructura frente a los elementos decorativos ‒ Planta centralizada inspirada en el templo de Vesta y el Panteón romano
b) S. Pedro del Vaticano (1550)
Su obra más importante es la continuación de las obras de S. Pedro del Vaticano a partir de 1546, después de Bramante , Rafael Sanzio y Antonio de Sangallo:
‒ Suprimió las cuatro entradas proyectadas inicialmente, sustituyéndolas por una sola principal dotada de un pórtico ‒ Potenció el valor de la cúpula : eliminó las torres de las esquinas, suprimió la columnata del tambor y dio al casquete un perfil más elevado ‒ Utiliza un doble casquete como en Florencia pero es algo más grande y pesada ‒ Los cuatro pilares sustentantes, la curva de las pechinas y la cúpula semiesférica crean un espacio grandioso
c) Plaza del Capitolio. Roma (1546)
‒ Proyecto de urbanización del centro histórico que busca efectos de sorpresa y perspectiva ‒ Tiene forma de trapecio , rodeada de palacios que servían de escenario a la estatua ecuestre de Marco Aurelio ‒ Los edificios estructuran sus fachadas a base de ordenes gigantes con pilastras corintias, arquitrabes y cornisas ‒ Se disponen de forma divergente para reforzar la sensación de profundidad
d) Palacio Farnesio. Roma (1514)
‒ Completa el palacio iniciado por Antonio de Sangallo (1485-1546), discípulo de Bramante ‒ Sigue el modelo de palacio florentino del Quattrocento pero prescinde del almohadillado y presta más atención al encuadre de los vanos, donde se alternan frontones rectos y curvos ‒ Construyó la segunda planta, la enorme cornisa y utilizó elementos decorativos de todos los órdenes arquitectónicos ‒ La principal novedad fue la creación de un eje vertical en el centro de la fachada compuesto por la puerta, el balcón y el escudo nobiliario
1.3. ANDREA PALLADIO (1508-1580)
Hacia 1550, una nueva generación de arquitectos consolida la tendencia manierista iniciada por Miguel Ángel hacia una arquitectura individual y decorativa: SERLIO (1474-1554), PALLADIO (1508-1580) y VIGNOLA (1507-1573). Son autores de obras teóricas que compilan las experiencias anteriores, definen la tipología de los órdenes arquitectónicos y tendrán gran repercusión durante los siglos XVIII y XIX.
Andrea Palladio fue el primer profesional dedicado en exclusiva a la arquitectura: fue un teórico que influirá en la arquitectura civil del Neoclasicismo. Desarrolla su actividad en el Norte de Italia (Vicenza y Venecia), aunque estuvo también en Roma. Su obra se caracteriza por la armonía de las proporciones y licencias manieristas (incrustación de frontones y superposición de órdenes).
a) Basílica. Venecia (1549)
‒ Construcción gótica de planta rectangular para tareas administrativas y actividades comerciales ‒ Cuatro fachadas envuelven el antiguo edificio con dos plantas superpuestas con galerías porticadas ‒ Las galerías repiten el llamado “ vano palladiano ”: arcos sobre columnas, flanqueados por tramos adintelados y con las enjutas caladas con óculos , provocando todo ello efectos de claroscuro
b) Villas campestres
Las villas campestres , sus realizaciones más características, son lugares de ocio o centros productivos. En ellas consigue aunar la tradición clásica con la búsqueda de una funcionalidad moderna. Presentan dos tipologías: la granja o centro de explotación y las villas de ocio.
‒ La granja o centro de explotación presenta un cuerpo central para la vivienda señorial y dos alas para almacenes, establos y graneros. En alguna de ellas, como villa Barbaro ( Maser, 1558 ) se mezclan elementos manieristas (ruptura del entablamento por el arco del balcón) con elementos más clasicistas (los dos cuerpos de los extremos, de clara influencia albertiana, se rematan con un ático con frontón triangular y aletones) ‒ La villa de ocio se concibe como una segunda residencia para la alta sociedad. Entre todas ellas, destaca Villa Capra (Vicenza, 1551-1553) , cuyas características principales son:
- Planta centralizada : reúne el círculo y el cuadrada junto a la cruz griega que forman los cuatro pórticos de las fachadas
- Simetría y proporción : composición arquitectónica donde sobresale el sentido unitario de cohesión y subordinación de las partes al todo
- Los pórticos jónicos, elevados sobre un podio y rematados por frontones, dan acceso a la sala central , redonda y cubierta con cúpula, que sirve de distribuidor
- Relación entre paisaje y edificio : supone una aportación en el camino de la integración de la arquitectura con la naturaleza
- Influencia en la arquitectura anglosajona de los siglos XVIII y XIX
c) Iglesias de S. Jorge el Mayor (1565) y El Redentor (1577-1592) en Venecia
‒ Sus fachadas combinan órdenes arquitectónicos de diferente magnitud y frontones superpuestos en distintos planos ‒ Las plantas son complejas: integran el espacio longitudinal con el centralizado
d) Teatro Olímpico. Vicenza (1580)
‒ Recupera el modelo de teatro romano : cavea semicircular con escena a base de pórticos sobre columnas:
- la cavea se rodea de una tribuna con columnas y estatuas
- el escenario se plantea como un gran arco de triunfo decorado con estatuas ‒ Utilización de la perspectiva en el frente del escenario: el triple vano permite ver en profundidad un total de cinco calles en abanico
1.4. VIGNOLA (1507-1573)
Giacomo Barossi da Vignola fue tratadista y arquitecto discípulo de Miguel Ángel. Creó el modelo de iglesia inspirado en el espíritu de la Contrarreforma (Compañía de Jesús) y precursor de los nuevos tipos de iglesia barrocas en Il Gesú ( Roma, 1567 ):
‒ Planta de cruz latina de una sola nave muy amplia cubierta con bóveda de cañón con lunetos ‒ Transepto poco marcado con cúpula que resalta el crucero ‒ Las naves laterales se sustituyen por capillas comunicadas entre sí ‒ La fachada es obra de Giacomo della Porta : un doble cuerpo unido por aletones y rematado por un frontón pero con una libre disposición de elementos arquitectónicos
‒ Estructura piramidal : arriba aparecen los difuntos sedentes y abajo los sarcófagos y, sobre ellos, figuras alegóricas de los 4 momentos del día (simbolizan el transcurso de la vida) ‒ Idealismo : no son retratos sino personificaciones de las dos vías para llegar a Dios:
- la vida activa representada por el guerrero: Lorenzo de Médici
- la vida contemplativa representada por el pensador: Giuliano de Médici ‒ Manierismo : inestabilidad, torsión y posturas difíciles de las figuras que se apoyan a los lados de los féretros
2.1.3. Etapa de vejez (1554-1564)
La expresividad, el pesimismo dramático y la distorsión de las proporciones rompen definitivamente con el clasicismo y dan paso definitivamente al manierismo. Las obras de esta etapa ( Descendimiento , 1550 ; la Piedad de Palestrina , 1555 ; la Piedad Rondanini , 1552-64 ) presentan composiciones inestables con figuras alargadas y sinuosas y despreocupación por la belleza formal y los detalles; son grupos escultóricos en los que los volúmenes se yuxtaponen , fundiéndose los cuerpos unos en otros.
2.2. LA ESCULTURA MANIERISTA
El genio y la grandeza de Miguel Ángel eclipsa a la mayor parte de los escultores, que intentan seguir sus pasos sin conseguir alcanzar su fuerza. Se desarrolla un tipo de escultura que rompe la armonía del período anterior, (como sucederá en la pintura), con composiciones abiertas y formas en tensión. Movimientos agitados y actitudes y expresiones dramáticas anticipan el lenguaje barroco del siglo XVII. Destacan dos autores principales: Benvenuto Cellini y Jean de Boulogne ( Giambologna ).
3. LA PINTURA DEL SIGLO XVI (CINQUECENTO)
La pintura durante el siglo XVI presenta las siguientes características generales :
‒ Interés por los contenidos temáticos : una vez superados los nuevos métodos de representación experimentados en el siglo anterior, logrando una perfecta integración de figuras y fondo ‒ La pintura manierista recurre a procedimientos artificiosos : alteración de las proporciones anatómicas y composiciones no equilibradas ‒ Peculiaridad de la escuela veneciana : el predominio del color sobre el dibujo produce una pintura más sensitiva que intelectual
3.1. LEONARDO DA VINCI (1452-1519)
Modelo de hombre renacentista (ingeniero, arquitecto, pintor, investigador) nos ha legado una enorme serie de manuscritos sobre múltiples aspectos. Es también un ejemplo de unión entre arte y ciencia : estudia la naturaleza, la composición y la anatomía humana.
Sus obras destacan por las composiciones regulares en las que las figuras aparecen relacionadas entre sí a través de miradas y gestos y en una perfecta i ntegración de éstas en el paisaje o en el espacio arquitectónico en el que se encuentran. Estas características se pueden apreciar en sus dos versiones de la Virgen de las rocas (Louvre 1483-1486 y National Gallery 1495-1508) y en la pintura mural de La última cena (1495-97). En esta última utiliza la perspectiva lineal (el punto de fuga lo ocupa Cristo en el centro de la composición, enmarcado por el vano iluminado) al tiempo que los personajes, distribuidos en grupos, muestran sorpresa ante el anuncio de traición al Maestro, en un perfecto estudio de expresiones y manos.
Leonardo también realizó retratos femeninos en los que las figuras aparecen con rostro sereno y actitud tranquila, no exenta de movimiento. Destacan La dama del armiño (1483-90) , La bella Ferronière (1495) y, sobre todo, La Gioconda (1503-06) :
‒ Retrato de medio cuerpo con postura de tres cuartos : la serenidad del rostro y la postura transmiten armonía y belleza (sonrisa enigmática); al paisaje se le aplica la perspectiva aérea (disminuye la nitidez del color y el detalle hacia el fondo) ‒ Suavidad de los contornos (“ sfumato ”) : difumina los perfiles en una especie de neblina ‒ Transición gradual de luces y sombras : imprecisión que le da un aire distante y misterioso ‒ La luz funde la figura con el paisaje y destaca el rostro y las manos
3.2. MIGUEL ÁNGEL (1475-1564)
Su pintura está muy influenciada por la escultura : la preocupación por el volumen le lleva a la construcción de poderosas y colosales figuras en actitudes difíciles y en movimiento. Además, concede gran importancia del dibujo , predominando la línea sobre el color y tiene menor interés por el paisaje.
Su obra pictórica más importante, desarrollada en dos etapas, son los frescos de la Capilla Sixtina :
a) La bóveda (1508-12)
‒ Dividida en recuadros por estructuras arquitectónicas : desarrolla un programa iconográfico basado en el Antiguo y Nuevo Testamento
- Registro central : representa pasajes del Génesis y en las esquinas de los recuadros menores aparecen desnudos que anticipan los “esclavos” para la tumba de Julio II
- Registros exteriores : los siete profetas bíblicos y las cinco sibilas (profetisas del mundo pagano) que habían anunciado la venida de Cristo
- Triángulos y lunetos : se representan los antepasados de Cristo según el evangelio de S. Mateo ‒ Protagonismo de la figura humana (desnudo) : tensión y fuerza interior de las figuras que destacan por su volumen y movimiento ‒ Perfección clásica y equilibrio
b) El Juicio Final (1537-41)
‒ Composición compleja : las figuras se distribuyen de manera confusa en un espacio indefinido y falto de profundidad ‒ Las figuras adoptan formas caprichosas : se disponen en posturas forzadas y agitadas, llenas de dramatismo (manierismo) ‒ Está presidido por Cristo Juez acompañado de la Virgen : situados en la parte superior que se corresponde con el mundo celestial ‒ La parte inferior se corresponde con el mundo terrenal : a la izquierda, los justos son ayudados por los santos a subir al cielo; a la derecha, los pecadores caen para ser conducidos hasta el infierno
3.3. RAFAEL SANZIO (1483-1520)
Representa el ideal humanista y la perfección del clasicismo : sus composiciones son equilibradas, simétricas y buscan una belleza idealizada. Logra una equilibrada síntesis del mundo pagano con el cristianismo : los mitos paganos y la filosofía antigua no se oponen al espíritu cristiano, sino que lo pueden complementar. Su obra pictórica se divide en tres etapas:
- Etapa juvenil (hasta 1504) se desarrolla en Umbría y refleja influencias de Perugino , sobre todo, en Los desposorios de la Virgen (1504):
‒ Composición simétrica : estudiada composición desarrollada en un amplio espacio ‒ Perspectiva lineal : acentuado por las losas del suelo y los escalones ‒ Fondo arquitectónico : un templo de planta central (influencias de Bramante) cierra la perspectiva
‒ el protagonismo del paisaje : no se utiliza sólo como simple fondo espacial sino que tiene interés por sí mismo ‒ son muy frecuentes los temas profanos y mitológicos
3.4.1. GIORGIONE (1478-1510)
En sus obras predomina la mancha de color sobre el dibujo : pinta al óleo sin dibujo previo. Además, sus temas se centran en la mitología y el paisaje.
Una de sus pinturas más conocidas es La tempestad (1508) , donde las figuras humanas son un simple pretexto para la representación de un paisaje. En la Venus dormida (1510) nos presenta a la diosa en posición yacente, estableciendo un modelo de belleza femenina de gran sensualidad (desarrollado a partir de entonces por otros pintores de esta escuela) sobre un paisaje de fondos cálidos , creando un ambiente de relajación.
3.4.2. TIZIANO (1481-1576)
Maestro de pintores, fue condiscípulo de Giorgione en el taller de G. Bellini y su pintura influye en Tintoretto, Veronés, Rubens y Velázquez. En sus obras tiene mucha importancia del color : su aplicación evolucionará hacia una técnica cada vez más suelta y libre. Las composiciones son sencillas y los temas variados : mitológicos, religiosos, retratos.
Entre las obras de tema mitológico destacan el Concierto campestre (1510) , Amor sacro y amor profano (1515) , Venus de Urbino (1538) y Bacanal de los andrios (1518):
Esta última es una composición en diagonal , lo que genera un ritmo ondulante (excepto Ariadna en el ángulo inferior derecho) con un fondo paisajístico que da profundidad a la escena. Colorido y luminosidad : las figuras aparecen enlazadas creando el movimiento y la alegría propios de la fiesta
Tiziano es el retratista de la escuela veneciana: en sus retratos los elementos de encuadre como el paisaje o las cortinas ocupan tanta atención como el retratado. De entre sus numerosos retratos sobresalen Pablo III y sus sobrinos (1546) , Julio II (1546) , Felipe II (1551) y, sobre todo, Carlos V en Mühlberg (1548) :
Retrato ecuestre : referencia al mundo clásico con técnica colorista, reflejos dorados y fondo paisajístico Arte al servicio del poder político : modelo representativo del poder de los monarcas a partir de ahora (victoria sobre los protestantes alemanes)
Por último, hay que mencionar algunas obras de tema religioso como La Asunción de la Virgen (1518) o el Entierro de Cristo (1559).
3.4.3. TINTORETTO (1518-1594)
Representa la crisis de los ideales renacentistas en sus composiciones manieristas con diagonales, fuerte dramatismo y abandono de la perspectiva central (desviación de los protagonistas hacia los laterales), como puede apreciarse en El lavatorio de los pies (1550).
Además, el alargamiento de las figuras y los abundantes escorzos con movimientos tensos y juegos de luces y sombras generan ambientes sorprendentes y efectistas que anticipan la estética del Barroco: Hallazgo y traslado del cuerpo de S. Marcos (1562-66) ; Bautismo de Cristo (c.1540) ; Descendimiento de la Cruz (1559) ; Crucifixión (1565).
3.4.4. VERONÉS (1528-1588)
Refleja el lujo y la riqueza de los ambientes venecianos: tocados y trajes aparatosos con marcos arquitectónicos colosales donde el detalle y la anécdota se convierten en tema principal: Bodas de Caná (1563); Comida en casa de Simón Fariseo (1573).
EL ARTE DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA
1. CARACTERÍSTICAS GENERALES - Pervivencias del gótico : el nuevo lenguaje renacentista se fue incorporando desde finales del siglo XV, dando lugar a formas mixtas - Protagonismo de la nobleza y el clero : la ausencia de una poderosa burguesía hará que los principales clientes sean la monarquía y la Iglesia, lo que explica su carácter casi exclusivamente religioso - Dependencia de los modelos italianos : los artistas se inspiran directamente en las obras de sus contemporáneos italianos, no en la Antigüedad clásica 2. PERIODIZACIÓN - Primer tercio del siglo XVI : introducción lenta de elementos renacentistas italianos que se incorporan a obras esencialmente góticas - Segundo tercio del siglo XVI : se adopta una concepción plenamente clasicista con influencias del manierismo italiano - Último tercio del siglo XVI : supone una depuración ornamental, coincidiendo con el reinado de Felipe II y el espíritu de la Contrarreforma 3. ARQUITECTURA
Es la manifestación más original del Renacimiento español : fue evolucionando desde un exceso ornamental hacia una concepción más acorde con el espíritu clasicista de orden y proporción. Se desarrolla en tres etapas en función de la periodización general del siglo XVI.
3.1. PLATERESCO (Primer tercio del siglo XVI)
Los edificios son estructuralmente góticos y en las fachadas se sobreponen elementos decorativos renacentistas (almohadillado, columnas abalaustradas, grutescos,…) con gran profusión y en una labor minuciosa que recuerda el trabajo de los orfebres, como ocurre en la fachada de la Universidad de Salamanca (1530) :
- abundante decoración distribuida simétricamente : sobre los arcos escarzanos se elevan 3 pisos (escudos, medallones y grutescos), enmarcados por semicolumnas y rematados por una crestería
- desconexión entre lo ornamental y lo arquitectónico : es un retablo de piedra (fachada tapiz) que no guarda relación con la estructura interna del edificio
- programa iconográfico complejo : elogio de la monarquía de los RR.CC. como benefactora de la Universidad
De forma puntual y por iniciativa de algunas familias nobles, se introduce en España el modelo de palacio renacentista cuyo primer ejemplo lo constituye el Palacio de los duques de Medinaceli en Cogolludo, Guadalajara, (1492-95) obra de Lorenzo VÁZQUEZ, inspirado en los palacios florentinos: almohadillado, portada enmarcada por columnas, frontón semicircular, disposición rítmica de las ventanas, cornisa, crestería de remates,…
4. ESCULTURA
4.1. Características generales
Presenta una evolución parecida a la arquitectura : a partir del gótico (de influencias francesas y flamencas) se va incorporando la nueva estética renacentista Predominio absoluto de la temática religiosa : determinado por el poder de la Iglesia y el enfrentamiento entre católicos y protestantes (Concilio de Trento) en que la monarquía española se posiciona del lado de los primeros Mayor preocupación por la fuerza expresiva : la belleza formal y las correctas proporciones tienen menos interés (afán de crear imágenes devotas de contenido emocional) El material más utilizado fue la madera policromada (imaginería) : el mármol se reservó para los monumentos funerarios y el bronce fue escasamente empleado Desarrollo de la imaginería: representación plástica de temas religiosos que busca el realismo más convincente cuya técnica más habitual es la talla en madera policromada Importancia de los retablos: de tradición gótica, alcanzan a partir de ahora su máximo desarrollo ya que ilustran por medio de imágenes las verdades de la fe Se trabajan también otros espacios escultóricos : sillerías de coro y sepulcros (idea renacentista del triunfo sobre la muerte a través de la fama)
4.2. ALONSO DE BERRUGUETE (1490-1561)
Hijo del pintor Pedro de Berruguete (quien trabajó al servicio de Federico de Montefeltro en Urbino), se formó en Italia donde conoció a Bramante y Miguel Ángel. Durante su estancia en Florencia estudió los frescos de Masaccio y las esculturas de Donatello.
A partir de 1523 se establece en Valladolid donde recibe numerosos encargos de imágenes religiosas y retablos, lo que le obliga a fundar un gran taller que dirige como un hombre de negocios: el maestro diseña el proyecto y deja la ejecución en manos de los aprendices.
Su obra más destacada es el retablo de S. Benito (1517) para los monjes benedictinos de Valladolid: diversas tallas ( Sacrificio de Isaac , S. Sebastián , S. Cristóbal ) componen lo mejor de su original estilo:
presta más atención a la expresividad que a las proporciones y el equilibrio formal interés por el desnudo : influencias de Donatello pero con canon más alargado (diez veces la medida del rostro) composiciones inestables : posturas forzadas y figuras serpentinatas que evidencian influencias de Miguel Ángel (manierismo)
La fama le lleva a Toledo donde realiza parte de la sillería del coro (1540) de la catedral y el sepulcro del Cardenal Tavera (1551-61) , sarcófago exento que sigue los modelos italianos.
4.3. JUAN DE JUNI (1506-1577)
De origen francés, viajó por Italia y en su estilo confluyen tres sensibilidades: la francesa, la italiana y la española. En 1541 se establece en Valladolid donde desarrolla una amplia temática religiosa con composiciones regulares, figuras corpulentas y anatomías proporcionadas. De este año es el Entierro de Cristo (1541), grupo escultórico que representa un drama teatral lleno de emociones y fuerza expresiva.
Otras obras importantes son las tallas de S. Antonio de Padua (1541) , S. Juan Bautista (1541) y la Virgen de las Angustias (1567). Su estilo evolucionará hacia el manierismo , como lo demuestra el retablo del Entierro de Cristo (1571) de la catedral de Segovia: composición quebrada, las figuras se agrupan en un espacio reducido (sensación de angustia y efectismo teatral que anticipa el barroco).
5. LA PINTURA. EL GRECO (1541-1614)
La pintura renacentista en España se va a caracterizar por el predominio de los temas religiosos, convirtiéndose en instrumento al servicio de la Iglesia en una época de enfrentamientos entre católicos y protestantes. Pintores como Juan de JUANES (1523-1579) o Luis de MORALES (1523-1579) reciben influencias italianas y desarrollan una pintura amable, tierna y sentimental que establece modelos de gran aceptación popular. Sin embargo, destaca por encima de todos Domenicos Theotocopoulos , El GRECO.
a) Influencias. Su obra, de gran originalidad y esencialmente manierista, incorporó diversas influencias que recibió a lo largo de su trayectoria desde Creta hasta España:
del arte bizantino : simbolismo y ciertos elementos iconográficos de la pintura veneciana : importancia del color y contrastes lumínicos (especialmente Tintoretto) de Miguel Ángel y los pintores romanos : interés por el desnudo, alargamiento de las figuras y el movimiento serpentino (manierismo)
b) Características
Predominio del color sobre el dibujo : colores fríos y contrastes cromáticos Las proporciones se alteran : las figuras son alargadas y adoptan posturas forzadas Composiciones complejas : potencian el desequilibrio y la inestabilidad, siendo frecuentes las divisiones en dos planos (el terrenal, abigarrado y estático, y el celestial, luminoso y agitado) Las figuras se acumulan en espacios cerrados y agobiantes : el horror al vacío hace que algunas de las figuras queden recortadas por el marco Importancia de la luz : los efectos de luces y sombras permiten resaltar las figuras y dotarlas de un fuerte simbolismo
c) Obras más importantes
El expolio (1577-79): composición cerrada donde las figuras se disponen alrededor de Cristo (tendencia a llenar todo el espacio); doble perspectiva y figuras cortadas : el grupo central está representado desde el frontal y las tres mujeres desde arriba; figuras alargadas y gestos violentos : el cuello alargado y los dedos de la mano serán característicos de su estilo
El martirio de S. Mauricio y la legión tebana (1580) : encargo de Felipe II para El Escorial pero no fue de su agrado porque el tema principal queda en un segundo plano; narración continua : el tema se desarrolla en tres escenas sucesivas
El entierro del Sr. de Orgaz (1586-88): división en dos planos, dos mitades contrapuestas y con tratamiento diferenciado (parte inferior o terrenal y parte superior o celestial); escaso interés por la perspectiva : la densidad de figuras de la parte inferior impide la sensación de profundidad pero aumenta ligeramente en la parte superior; realismo (galería de retratos en la parte inferior) y alargamiento de las figuras (crean un ambiente irreal de gran espiritualidad); fuertes contrastes lumínicos : modela y define los volúmenes de las figuras y tiene un carácter simbólico; predominio del color sobre el dibujo : contraste del negro con una variedad de colores; salvación del alma por medio de las buenas obras : el arte se convierte en un elemento de propaganda del espíritu de la Contrarreforma
Retratos en los que destaca el realismo y la perfecta captación psicológica del personaje: El caballero de la mano en el pecho (1583-85), El cardenal Niño de Guevara (1600); La dama del armiño (1580); El licenciado Jerónimo de Cevallos (1609-13)
Temas no religiosos , paisajes y mitológicos: Vista de Toledo (1597-99); Vista y plano de Toledo (1610); Laocoonte (1610)
